Camila Eslava : “La meditación, como la creación artística, me permiten encontrar lo universal que hay en mi”

Camila es una joven artista Colombiana que reside actualmente en París. Su trabajo consiste en tejer y dibujar, gracias a una práctica meditativa, que le permite expresar su flujo mental a través del hilo y la tinta . Sus obras han sido expuestas en Bogotá, Montreal, Santiago de Chile y París.

¿Como entendiste que el arte era lo tuyo?

Creo que nunca lo pensé. Lo difícil era pensar que otra cosa pudiese ser lo mío. Se llamase arte o no, fue algo que hice desde pequeña y en lo que ocupaba todo mi tiempo. La imagen que me viene es la de estar aburrida en el colegio dibujando mientras que el profesor daba clase. Estuve en muchos colegios porque no me gustaba estudiar. Lo que me gustaba era quedarme en casa desordenando todo y dibujando.

¿En qué consiste tu proceso creativo y cómo utilizas la meditación para hacer tus obras?

Mi proceso creativo se basa en la intuición como método de investigación. Me dejo llevar por la atracción que siento hacia ciertas formas, materiales o imágenes que voy encontrando y con el tiempo esas cosas se van estructurando y creando vínculos entre sí. Es una intuición que tiene forma de tejido. Durante muchos años tejía mucho con la sensación de que todos mis procesos cerebrales y todo lo que pasaba al interior de mi iba saliendo de mis manos y tomando formas muy orgánicas. No trato de representar nada, no imito ni copio la realidad sino que mantengo un estado de apertura a lo que vivo y tengo la certeza de que todo eso se digiere en mi y sale transformado. Ese proceso de digestión, como un metabolismo, va tomando formas que bien pueden ser tejidos o durante los últimos años ha sido mucho el dibujo. Esto me llevó a la meditación porque, al igual que en mi proceso creativo, siento que lo que está vivo en cada cosa se comunica con lo que está vivo en mi. Hay como unos encuentros eléctricos que hacen que todo vaya tomando formas.

¿Cómo concebiste tus dibujos como una práctica paralela y al mismo tiempo complementaria a tu tesis doctoral?

El dibujo es una práctica relativamente reciente porque yo hice una escuela de artes durante 5 años en Colombia en la que tejía y hacía instalaciones. Cuando llegué a París quise escribir una tesis de doctorado sobre cómo era mi proceso creativo e intentar detectar una estructura de este, que me parecía muy orgánico. Mientras que trataba de escribir sobre ese proceso me di cuenta que no podía porque estaba sucediendo simultáneamente. Esto me llevó a hacer una crítica hacia los procesos de investigación puramente objetivos que tratan de poner el tema de estudio lejos y lo objetivizan como si fuera algo fijo. Lo que hacía en vez de escribir la tesis es dibujar y mi tesis se iba quedando de lado. Me di cuenta que todo eso hacía parte de mi proceso creativo. Dibujaba algo que podría definir como apuntes gráficos. Me gustaba la sensación de la tinta que resbalaba en el papel y una forma me llevaba a la otra.

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Graphic meditation, 2011

En paralelo a la escritura de mi tesis, comencé a dibujar sobre unos rollos larguísimos y el ejercicio consistía en no borrar y no cortar el papel. Dejar que el flujo mental siguiese su curso sin que yo lo interrumpiera por criterios de juicio. Se volvió un ejercicio muy importante para mi porque ese rollo era como un registro de mi proceso creativo aceptandolo como viniese, sin interrupción. Eso implicaba un ejercicio de presencia muy importante. Al cabo de un rato de estar dibujando me daba cuenta que el dibujo mismo se autoalimentaba , se construía e incluso modificaba mis decisiones cotidianas. Se parece un poco al cadáver exquisito pero en realidad no consistía en un dibujo automático porque no era sin ver, al contrario, estaba siempre presente en cada cosa que hacía.

Lo que me interesaba era el objeto del rollo. Cuando estuve en la India me encontré con los textos sagrados, los sutras del yoga, con el origen mismo del libro que históricamente es en forma de rollo. Se trata de un modo de pensamiento que es universal. Por ejemplo, los primeros coranes también son en forma de rollo. Encontré cosas que en mi proceso creativo eran únicas y que tratando de encontrarles una historia eran el origen mismo del libro. Eso comprobaba la hipótesis de que yo no necesito representar la naturaleza sino que si yo me conecto con mi propia naturaleza interna y estoy completamente presente ella sale sola, porque está ahí. Esa es una de las guías de un proceso de meditación. Le he mostrado mis dibujos a amigos biólogos y botanistas y me dicen que esas figuras es lo que ellos ven en el microscopio. Me demoré dos años dibujando el rollo que mide 60 metros. Cuando lo terminé inventé una máquina para poderlo ver porque nunca lo había desenrollado todo. Esto me llevó a un pensamiento de lo más primario del cine. Esta maquina me permitió filmar el rollo para después proyectarlo como un panorama saliendo del soporte del papel. Volvía al desarrollo histórico del libro, el rollo, las películas… Por lo tanto mi proceso intuitivo me ha llevado a estar en contacto con procesos más universales. He dibujado durante bastante tiempo como un ejercicio de presencia que me hizo fácilmente dar un paso hacia el yoga y hacia la meditación que al mismo tiempo nutre mi proceso creativo.

Untitled
Atmosferiko, 2016

La meditación gráfica es un proyecto que has llevado a cabo desde el 2008. Aunque siempre utilices este mismo proceso ¿ tu crees que ha habido una evolución en tu trabajo?

Si, justo esta mañana pensaba en eso porque saqué muchos de mis dibujos que tengo catalogados en cajas y sobres. Cuando los veía sentía que resonaba más con unos que con otros en este momento. La densidad de los dibujos cambia y tiene que ver con mi densidad de este momento. No se trata de una evolución de peor a mejor sino de un cambio de densidad, hay cosas que se vuelven más fluidas, depuradas, casi que nada y de repente vuelvo a cosas relacionadas con los elementos. Paso por el aire, por lo acuático, por la tierra, me conecto con la materialidad. Es como un registro de intensidades y densidades que va cambiando en el tiempo y a veces vuelve de manera cíclica, pero siempre diferente. Es como un mapa de mi relación con el mundo.

Tu trabajo se centra en un conocimiento muy íntimo y personal de ti misma, de tus pensamientos, de tus capacidades y también de tus límites ¿crees que sin embargo hay una dimensión más colectiva en tu trabajo?

Mi trabajo no es biográfico, no busco hablar de mi, ni buscar quién soy yo. Encontré un sistema intuitivo que me llevó a darme cuenta que justamente lo que creo hace parte de un proceso histórico, universal y colectivo. Si no, a mi la gente me importa muy poquito, lo que me importa  es lo vivo que tienen, pero esa misma comunicación la puedo encontrar con una planta o con una persona en la medida en que somos lo mismo. Cuando hice una residencia en Montreal, hice una serie de dibujos que repartí por el correo y en bicicleta a desconocidos. Quería diseminar estos dibujos y que cada persona tuviera una parte. Los invité a reunirnos un día en la galería para reconstruir ese dibujo. Cada persona es como una partícula de algo más grande, quería reunirlos por medio de un tejido. Se crearon interacciones entre toda esta gente que no se conocía y que no me conocían a mi tampoco. Esa es mi manera de involucrar al otro, siempre en un sentido más universal.

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Graphic Meditation, Montreal 2015

¿Podrías definir tu arte como una terapia, algo que te ayuda a curar, a sanar o tal vez a prevenir?

No se si sirva para eso pero no me importa, no es el objetivo. Quisiera excluir mi trabajo de la casilla del arte terapia porque yo no tengo el objetivo de curar. Yo no busco curarme porque de por sí en la cura ya existe la enfermedad, yo busco un refinamiento de la percepción y de la presencia.

 

Más información en : camilaeslava.com

Por María José Junca

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